2층전시장전경

 

 

 

사비나 미술관 여름기획전

 

타 분야와의 융복합 전시를 지향해 온 사비나미술관(관장 이명옥)의 2015년

여름 기획전의 주제는 ‘색’입니다.

 

‘색’이라는 주제는 단순해 보이지만 그만큼 쉽지 않은 주제이기도 합니다.

인간이 외부로부터 받는 자극 중 80% 이상이 시각에 의해 이뤄진다고 하니

색이 지닌 시각적 공감각적, 감성적, 심리적, 물리적 효과와 그것이 내포하는

은유와 상징은 색 자체만큼이나 풍부하고 방대할 것입니다.

 

본 전시는 예술가들은 색을 어떻게 선택하고 사용하는지, 색을 어떻게 해석하고

실험하고 표현하는지에 대한 궁금증과 호기심에서 시작되어 예술가들이

색을 대하는 태도와 시각에 초점을 맞춘 전시입니다. 본 전시를 통해 참여작가들이 색을 어떻게 실험하고 무엇을 이야기 하는지 보여주고자 합니다.

 

사비나미술관

 

Ⅰ. 전시개요

❍ 전 시 명 : 컬러 스터디 COLOR STUDY

❍ 전시기간 : 2015년 7월 29일(수) ~ 10월 23일(금) (매주 월요일 휴관)

❍ 장 소 : 사비나미술관 전관 (지하~2층)

❍ 참여작가 : 문형민, 박미나, 양주혜, 정승, 조소희, 진달래&박우혁, 하이브, 베르나르 포콩,

샌디 스코글런드, 닐 하비슨 / 11인

❍ 협 력 : 연세대학교 커뮤니케이션대학원 플레이 메이커즈 랩

KAIST 산업디자인학과 색채연구실 주성욱

❍ 후 원 : 한국문화예술위원회

❍ 협 찬 : Renova, 두성종이

 

Ⅱ. 전시목적

 

▮ 우리가 바라보는 ‘색(色)’이란 무엇인가?

예술가가 바라보고 해석하는 독창적인 방식으로의 색!

Ⅰ. 전시개요

❍ 전 시 명 : 컬러 스터디 COLOR STUDY

❍ 전시기간 : 2015년 7월 29일(수) ~ 10월 23일(금) (매주 월요일 휴관)

❍ 장 소 : 사비나미술관 전관 (지하~2층)

❍ 참여작가 : 문형민, 박미나, 양주혜, 정승, 조소희, 진달래&박우혁, 하이브, 베르나르 포콩,

샌디 스코글런드, 닐 하비슨 / 11인

❍ 협 력 : 연세대학교 커뮤니케이션대학원 플레이 메이커즈 랩

KAIST 산업디자인학과 색채연구실 주성욱

❍ 후 원 : 한국문화예술위원회

❍ 협 찬 : Renova, 두성종이

 

Ⅱ. 전시목적

 

▮ 우리가 바라보는 ‘색(色)’이란 무엇인가?

예술가가 바라보고 해석하는 독창적인 방식으로의 색!

 

예술가들은 ‘색’을 어떤 방식으로 바라보고 해석하고 실험하는가를 살펴보고자 한다. 이번 전시에서는 직관적이고 감성적인 표현수단으로서, 혹은 대상을 재현하는 수단으로서의 색채에 초점을 맞추기보다 색의 사회적이고 과학적 맥락으로 접근하여 색을 분석, 연구하고, 빛에 의한 공감각적인 체험을 유도하면서 색에 대한 추상적인 관념에서 벗어날 수 있도록 구성했다.

 

1._닐%20하비슨(Neil_Harbisson)_Portrait_of_Samuel_Nicolausson,_2013[1]

 

▮ 연출사진의 대가 베르나르 포콩부터 국내 최초로 소개되는 사이보그 예술가 닐 하비슨까지

회화, 사진, 조각, 인터렉티브, 설치, 디자인에 이르는 다양한 장르 속 ‘색’을 만나다!

 

베르나르 포콩(Bernard faucon)은 화면을 가득 뒤덮은 붉은색의 풍경으로 사진 매체에 대한 회의감을 담아내고, 샌디 스코글런드(Sandy Skoglund)는 사진의 메시지를 전달하기 위해 작가가 직접 공간을 연출한 사진 작품을 선보인다. 특히 국내에 전시를 통해 최초로 소개되는 영국작가 닐 하비슨(Neil Harbisson)은 전색맹이라는 장애를 극복하기 위해 기계와 뇌를 결합시키는 사이보그로, 다양한 실험과 독특한 작품 제작과정을 통해 색을 소리로 듣는 전위적인 체험을 선사한다.

 

▮ KAIST, 연세대학교와의 협력을 통해 관람객들에게 다양한 체험 기회 제공

 

KAIST 산업디자인학과 색채연구실의 은 회전혼합의 원리를, <反對色床(반대색상)>을 통해 역발상적인 색채 적용과 그 경험(paradoxical color experience)에 대해 직접 체험해 볼 수 있다. 또한 연세대학교 커뮤니케이션대학원 플레이 메이커즈 랩의 미디어 작품은 우리가 일상에서 만나는 빛(색)을 경험하게 함으로써 수동적 인식자에서 능동적 인식자로 변환되는 경험을 느끼게 한다. 이처럼 다양한 이론적 접근을 통해 관객들에게는 익숙하게 여겨왔던 색을 재발견하고 시지각 반응에 대해서도 쉽게 이해할 수 있는 뜻 깊은 시간이 될 것이다.

 

III. 주요작품 소개

 

안테나를 통해 색을 소리 파장으로 ‘듣는’ 사이보그 예술가

닐 하비슨(Neil Harbisson)

 

닐%20하비슨%20사진%20copy

 

 

Ⅰ. 전시개요

❍ 전 시 명 : 컬러 스터디 COLOR STUDY

❍ 전시기간 : 2015년 7월 29일(수) ~ 10월 23일(금) (매주 월요일 휴관)

❍ 장 소 : 사비나미술관 전관 (지하~2층)

❍ 참여작가 : 문형민, 박미나, 양주혜, 정승, 조소희, 진달래&박우혁, 하이브, 베르나르 포콩,

샌디 스코글런드, 닐 하비슨 / 11인

❍ 협 력 : 연세대학교 커뮤니케이션대학원 플레이 메이커즈 랩

KAIST 산업디자인학과 색채연구실 주성욱

❍ 후 원 : 한국문화예술위원회

❍ 협 찬 : Renova, 두성종이

 

닐 하비슨 작업장면_Sound%20portrait of Moby

 

 

닐하비슨_Colour Score of Barack Obama_s Inaugural Speech_ 2013

 

Ⅱ. 전시목적

 

▮ 우리가 바라보는 ‘색(色)’이란 무엇인가?

예술가가 바라보고 해석하는 독창적인 방식으로의 색!

 

예술가들은 ‘색’을 어떤 방식으로 바라보고 해석하고 실험하는가를 살펴보고자 한다. 이번 전시에서는 직관적이고 감성적인 표현수단으로서, 혹은 대상을 재현하는 수단으로서의 색채에 초점을 맞추기보다 색의 사회적이고 과학적 맥락으로 접근하여 색을 분석, 연구하고, 빛에 의한 공감각적인 체험을 유도하면서 색에 대한 추상적인 관념에서 벗어날 수 있도록 구성했다.

 

▮ 연출사진의 대가 베르나르 포콩부터 국내 최초로 소개되는 사이보그 예술가 닐 하비슨까지

회화, 사진, 조각, 인터렉티브, 설치, 디자인에 이르는 다양한 장르 속 ‘색’을 만나다!

 

베르나르 포콩-설치전경

 

 

베르나르 포콩-미케네의 문, La Porte de Mycenes, 60 x 60cm, Fresson print, 1989

 

 

 

베르나르 포콩(Bernard faucon)은 화면을 가득 뒤덮은 붉은색의 풍경으로 사진 매체에 대한 회의감을 담아내고, 샌디 스코글런드(Sandy Skoglund)는 사진의 메시지를 전달하기 위해 작가가 직접 공간을 연출한 사진 작품을 선보인다. 특히 국내에 전시를 통해 최초로 소개되는 영국작가 닐 하비슨(Neil Harbisson)은 전색맹이라는 장애를 극복하기 위해 기계와 뇌를 결합시키는 사이보그로, 다양한 실험과 독특한 작품 제작과정을 통해 색을 소리로 듣는 전위적인 체험을 선사한다.

 

베르나르 포콩-연못, Le bassin, 60x60cm,Fresson print, 1990

 

 

▮ KAIST, 연세대학교와의 협력을 통해 관람객들에게 다양한 체험 기회 제공

KAIST 산업디자인학과 색채연구실의 은 회전혼합의 원리를, <反對色床(반대색상)>을 통해 역발상적인 색채 적용과 그 경험(paradoxical color experience)에 대해 직접 체험해 볼 수 있다. 또한 연세대학교 커뮤니케이션대학원 플레이 메이커즈 랩의 미디어 작품은 우리가 일상에서 만나는 빛(색)을 경험하게 함으로써 수동적 인식자에서 능동적 인식자로 변환되는 경험을 느끼게 한다. 이처럼 다양한 이론적 접근을 통해 관객들에게는 익숙하게 여겨왔던 색을 재발견하고 시지각 반응에 대해서도 쉽게 이해할 수 있는 뜻 깊은 시간이 될 것이다.

 

III. 주요작품 소개

 

안테나를 통해 색을 소리 파장으로 ‘듣는’ 사이보그 예술가

닐 하비슨(Neil Harbisson)

 

보편적 진리나 사회적 통념에 대한 의문을 다양한 방식으로 질문하는 문형민은 이번 전시에서 사비나미술관 2005-1015>을 선보인다.

 

사비나미술관의 기획전시 도록 21권을 분석한 작업으로 프로그램을 이용해 도록의 단어와 색을 수집, 분석했다. 총 10,286개의 문장과 171,729개의 단어로 집계 되었으며, 이중 상위 10개의 단어를 빈도수 비율에 따라 순차적으로 미술관의 벽에 스트라이프로 색면을 분할하였다. 10개의 색채는 사비나미술관의 정체성을 반영할 수 있을까? 이러한 정보조차 알지 못하는 관객은 색으로 가득 찬 가득한 전시장에서 당황할지도 모른다.

 

문형민01-by numbers series 사비나미술관 2005-2015_785x303cm_Wall painting_2015

 

문형민의

 

매월 정기적으로 발행된 잡지에서 단어와 색을 추출하고 그 해 가장 많이 사용된 단어를 가장 많이 사용된 색으로 전환한다. 이는 대중에 의해 만들어진 유행을 미디어가 읽어내는 것인지, 미디어가 유행을 만들고 대중이 따라가는 것인지에 대한 의문을 갖게 한다.

 

주로 「VOGUE」, 「PLAYBOY」, 「TIMES」 등의 잡지에서 한 해 동안 쓰인 색상과 문장들을 모두 추출하고 통계 내어 정렬된 단어와 색이 그 해의 사회적인 이슈를 반영하는가에 대한 실험이다. 작가는 이러한 작품을 통해 우리가 인식하는 것에 대해 질문을 던지며 사회적으로 흔히 사용되는 통계라는 객관성에 대한 의구심을 갖게 한다.

 

“나의 작업은 제도, 관습, 통념, 맹목적 신념 또는 사회현상에 대해 주관적이거나 추상적인 결정을

내리기보다는 객관적으로 바라보고 작업을 통해 관객에게 되묻는다.

단순히 통계결과를 보여주기 보다는 시각적인 요소에 관심을 먼저 가지도록 색을 강조했다.” - 문형민

 

문형민02-by numbers series 사비나미술관 2005-2015_785x303cm_Wall painting_2015

 

 

무대를 직접 구성하는 연출 미학으로 보는 색의 상징과 의미

샌디 스코글런드(Sandy Skoglund)

▲ <금붕어의 복수> 70x101cm

 

본 전시에 소개되는 <웨딩(The Wedding)>은 불확실한 미래로 나아가는 달콤하면서도 끈적거리는 그들의 첫 발걸음을 보여주기 위해 순백색 대신 빨간색을 선택했다. <금붕어의 복수(Revenge of the Goldfish)>는 환경오염으로 폐사한 금붕어 떼가 인간을 공격한다는 내용으로 파란색과 주황색의 강렬한 보색대비를 통해 경각심을 불러일으킨다.

 

샌디 스코글런드는 모든 오브제를 직접 제작하고 색과 공간구성을 연출하는 자신만의 연출 미학을 통해 현대사회에서 나타나는 여러 문제점들에 대한 날카로운 메시지를 던진다. 기존에 우리에게 익숙하고 기대하는 색에서 탈피한 낯선 색감을 통해 초현실적인 이미지를 연출하며 오브제가 내포하고 있는 본래 의미까지 달라지게 한다.

▲ <웨딩> 96x122cm, Archival inkjet print, 1994

▲ <웨딩> 메이킹 필름 中 / 소품 제작 및 사진촬영 장면

 

“ 1980년대에 조각들을 직접 만들기 시작하면서 색과 공간을 새로운 방식으로 사용할 수 있게 되었고,

미장센(mise en scène) 기법의 시작으로 색의 중요성은 더욱 높아졌다.

무엇보다도 사진에서의 가장 중요한 질문인 '어떻게 빛과 색이 공간을 만들어 내는가'에 관심이 있었다.”

 

샌디 스코글런드-금붕어의 복수 Revenge of the goldfish 70×101cm 1981

 

샌디 스코글런드-웨딩, The Wedding, 96x122cm, 1994

 

 

- 샌디 스코글런드

샌디 스코글런드의 연출사진(Making photo, Mise en scène photo)

 

1980년대 메이킹 포토, 미장센 포토를 주도한 대표적인 작가로 강렬한 색채 대비와 독특한 연출이 두드러지는 작품이 특징이다. 비현실적이고 드라마틱한 장면들은 1970년대 미국 문화의 상징인 자극적인 광고물에서 큰 영감을 받았다. 미장센 포토 시리즈는 1979년 로부터 시작되었고 이때부터 작품 속 색의 비중이 커졌다. 이후 1980년 작가가 직접 조각한 오브제를 만들면서 빛과 색이 어떻게 공간을 결정하는지에 대한 관심이 지속되기 시작했다.

 

선 스팩트럼으로 보는 색의 간섭과 충돌

진달래&박우혁 (Jin Dallae & Park Woohyuk)

 

사선 형태의 네온으로 구성된 작품 는 선 스펙트럼을 상징하며 무작위로 선택된 두개의 색과 그에 지정된 두개의 알파벳은 색과 언어의 혼합과 동시에 간섭을 일으킨다. 흰색(white)의 약자이면서 what, who와 같은 의문사의 약자이기도한 작품 제목 는 알파벳 W와 H, 네온의 두 가지 색이 중첩하며 만들어내는 사물의 새로운 속성을 드러낸다. 즉 이들 작업의 기저를 이루는 사물의 본질에 대한 의문을 담고 있는 것이다. 이러한 빛과 색의 특성은 알파벳을 조합하여 무한한 단어를 만들어낼 수 있는 언어의 특성과도 일치한다.

 

진달래박우혁01-WH_210x136.8cm_Neon_2015

 

 

▲ , 136.8x210cm, 네온

▲ 진달래&박우혁의 전시를 위한 디자인

 

“무작위로 선택된 두 개의 색과 지정된 두 개의 알파벳은 중첩된 색과 색, 언어와 언어의 간섭을 일으키고 보는 시각에 따라 의미와 색상이 달라진다. 이를 통해 사물의 속성을 만들어 가는 개념과 색이 섞이는 과정, 알파벳이 섞이는 과정, 서로 간섭하고 혼합되는 과정을 보여주고자 한다.

이는 우리가 지속적으로 관심을 가지고 있는 사물의 본질에 대한 의문, 즉 얼마 전 이슈가 되었던 착시 현상 드레스 논란에서처럼 우리가 보는 것이 실제인 것인가에 대한 의문이기도 하다.” - 진달래&박우혁

 

진달래&박우혁의 디자인 컨셉

그래픽 디자이너이자 아티스트인 진달래&박우혁은 ‘색’을 컨셉으로 이번 전시 인쇄물의 전체적인 디자인을 맡았다. 출품된 작품 외에 포스터와 엽서를 통해 다양한 색의 결합을 확인할 수 있다. 이들은 보이는 것과 보이지 않는 것, 안과 밖, 시작과 끝 사이의 통로를 설계하고 기록하는 다양한 작업을 선보여 왔다. 특히 우리에게 익숙한 보편적인 질서와 관습에 의문을 갖고 이 세계를 해석하고 재배열하는 과정을 통해 그들만의 새로운 세계를 구축하는 것에 관심이 많다.

 

IV. 전시작품 소개

 

양주혜-설치전경

 

 

양주혜-Episode shop2_100x140cm_Digital print%20on murasec_2013

 

 

 

양주혜

본 전시에서는 색점 작업의 연장선에 있는 바코드 작업을 선보인다. 기계화된 문명, 자본주의의 상징인 바코드는 작가의 말에 의하면 ‘21세기와 현대문명을 상징하는, 머지않아 역사 속으로 사라져버릴 문양’이 될지도 모른다. 작가에게 색점은 시간의 축적을 기록하는 과정이자 역사를 이어가는 하나의 방식이라면, 바코드는 미래에 발견될 한 시대의 흔적이다. 검은색과 흰색으로 이루어진 이미지 요소를 패턴화 된 색채를 입혀 새로운 조형요소로 재탄생 시킨다. 바코드는 더 이상 자본주의의 상징이 아닌 양주혜 작가의 조형적 상징으로서 존재할 것이다.

 

정승01-Rainbow From Warned Land_500x20(dia.)cm_Warning light, CCTV%20projection, sound device_2015

 

 

정승02-Rainbow From Warned Land_500x20(dia.)cm_Warning light, CCTV projection, sound device_2015

 

 

정승

플라스틱 오브제를 이용한 설치 작업을 선보여 온 정승은 이번 전시에서 황색, 녹색, 적색의 경광등 커버를 5미터 높이로 제작해 전시장 1층에 설치한다. 범세계적으로 각각 경고, 안전, 위험의 표기로 사용되는 이러한 사회적 규범의 의미를 낯선 설치 방식으로 새롭게 환기 시킨다. 이를 통해 사회적 통념에 가려진 개인의 가치와 다양성을 일깨우고, 기계문명의 대량생산 체제로 인해 단순화되고 획일화 되어가는 현대사회에 경고의 메시지를 던진다.

 

박미나 설치전경

 

 

박미나

 

 

박미나

미술재료의 색의 명칭과 배열 순서에 대한 기준은 제조사마다 다르다. 이는 제조사 내부에서 결정하는데, 제품의 색 이름이나 순서는 소비자의 기호에 따라 계속 변한다. 결국 이러한 질서는 소비사회가 낳은 불완전하지만 기능적인 산업적 질서인 것이다. 작가는 그런 산업적 변화의 흐름에 대한 색채의 변화를 기록하고 작품화 한다. 본 전시에서는 작품 <12 Colors Drawings III, IV>를 선보인다. 두 곳의 국내 색연필 회사를 정해 그들이 암묵적으로 정한 12색의 색연필로 색칠공부 노트에 칠하고 이를 순서에 따라 정렬해 설치한 작품이다.

 

박미나1

 

하이브02-Project Scriabin_Variable size_Touch monitor, PC, LED, player, digital piano_2015

 

하이브

본 작품은 소리에서 색을 연상시켰던 러시아 작곡가 스크랴빈(1872∼1915)에게서 영감을 받아 완성한 작품이다. 스크랴빈이 음계를 색으로 번역했다면, 하이브는 색을 음계로 번역한 한다. 디지털 피아노를 통해 시각과 청각이라는 서로 다른 감각의 경계를 허물어 공감각적 가능성을 보여주고 공간과 빛, 색, 그리고 소리에 대한 다채널적 체험의 기회를 제공한다.

 

관람객이 설치된 카메라에 촬영된 이미지를 원형의 레코드판(LP)으로 표현된 인터페이스 상에서 불러와 특정 영역에 대한 평균 색값을 계산한다. 그렇게 나온 색채값은 스크랴빈이 정의 내린 색과 음의 관계를 이용해 전시 공간 전체에 퍼짐과 동시에 색에 대한 음계값이 디지털 피아노로 자동 연주된다.

 

조소희-…where…색빛만들기_Variable size_Thread_2015

 

조소희

이번 전시에서는 색과 빛의 삼원색과 그 기호들을 바탕으로 한 <색/빛만들기>의 연작 <...where...>를 선보인다. 한 줄, 두 줄 오랜 시간을 들여 서로 엮어가며 설치하는 작업방식으로 시간의 축적 속에 삼원색으로 짜여진 실은 무게감을 응축하여 자욱한 연기처럼 전시장의 공간을 채운다. 작가에게 삼원색이란 예술이 추구하는 진정한 색과 빛에 대한 메타포이며, 색과 빛은 작가가 지향하는 ‘미(美)’에 대한 은유이기도 하다.

 

베르나르 포콩

연극무대처럼 피사체를 의도적으로 연출하는 메이킹 포토, 미장센 포토 등으로 불리는 연출사진을 최초로 시도한 사진작가로 사진예술의 범위를 확장했다는 평을 받고 있다. 작가는 본 시리즈가 추상과 이상화에 대한 기나긴 여정의 마지막이며, 작품 속 빨간색은 사진 그 자체의 절망을 뜻한다고 언급하기도 했다. 빨간색 물감이 화면을 지배한 듯한 풍경은 기록의 매체임에도 불구하고 현실을 정확히 재현할 수 없는 사진이 가진 이중적 속성이 은유적으로 드러난다.

 

본 전시에서는 색점 작업의 연장선에 있는 바코드 작업을 선보인다. 기계화된 문명, 자본주의의 상징인 바코드는 작가의 말에 의하면 ‘21세기와 현대문명을 상징하는, 머지않아 역사 속으로 사라져버릴 문양’이 될지도 모른다. 작가에게 색점은 시간의 축적을 기록하는 과정이자 역사를 이어가는 하나의 방식이라면, 바코드는 미래에 발견될 한 시대의 흔적이다. 검은색과 흰색으로 이루어진 이미지 요소를 패턴화 된 색채를 입혀 새로운 조형요소로 재탄생 시킨다. 바코드는 더 이상 자본주의의 상징이 아닌 양주혜 작가의 조형적 상징으로서 존재할 것이다.

 

플라스틱 오브제를 이용한 설치 작업을 선보여 온 정승은 이번 전시에서 황색, 녹색, 적색의 경광등 커버를 5미터 높이로 제작해 전시장 1층에 설치한다. 범세계적으로 각각 경고, 안전, 위험의 표기로 사용되는 이러한 사회적 규범의 의미를 낯선 설치 방식으로 새롭게 환기 시킨다. 이를 통해 사회적 통념에 가려진 개인의 가치와 다양성을 일깨우고, 기계문명의 대량생산 체제로 인해 단순화되고 획일화 되어가는 현대사회에 경고의 메시지를 던진다.

 

미술재료의 색의 명칭과 배열 순서에 대한 기준은 제조사마다 다르다. 이는 제조사 내부에서 결정하는데, 제품의 색 이름이나 순서는 소비자의 기호에 따라 계속 변한다. 결국 이러한 질서는 소비사회가 낳은 불완전하지만 기능적인 산업적 질서인 것이다. 작가는 그런 산업적 변화의 흐름에 대한 색채의 변화를 기록하고 작품화 한다.

본 전시에서는 작품 <12 Colors Drawings III, IV>를 선보인다. 두 곳의 국내 색연필 회사를 정해 그들이 암묵적으로 정한 12색의 색연필로 색칠공부 노트에 칠하고 이를 순서에 따라 정렬해 설치한 작품이다.

 

본 작품은 소리에서 색을 연상시켰던 러시아 작곡가 스크랴빈(1872∼1915)에게서 영감을 받아 완성한 작품이다. 스크랴빈이 음계를 색으로 번역했다면, 하이브는 색을 음계로 번역한 한다. 디지털 피아노를 통해 시각과 청각이라는 서로 다른 감각의 경계를 허물어 공감각적 가능성을 보여주고 공간과 빛, 색, 그리고 소리에 대한 다채널적 체험의 기회를 제공한다.

 

관람객이 설치된 카메라에 촬영된 이미지를 원형의 레코드판(LP)으로 표현된 인터페이스 상에서 불러와 특정 영역에 대한 평균 색값을 계산한다. 그렇게 나온 색채값은 스크랴빈이 정의 내린 색과 음의 관계를 이용해 전시 공간 전체에 퍼짐과 동시에 색에 대한 음계값이 디지털 피아노로 자동 연주된다.

 

이번 전시에서는 색과 빛의 삼원색과 그 기호들을 바탕으로 한 <색/빛만들기>의 연작 <...where...>를 선보인다. 한 줄, 두 줄 오랜 시간을 들여 서로 엮어가며 설치하는 작업방식으로 시간의 축적 속에 삼원색으로 짜여진 실은 무게감을 응축하여 자욱한 연기처럼 전시장의 공간을 채운다. 작가에게 삼원색이란 예술이 추구하는 진정한 색과 빛에 대한 메타포이며, 색과 빛은 작가가 지향하는 ‘미(美)’에 대한 은유이기도 하다.

 

연극무대처럼 피사체를 의도적으로 연출하는 메이킹 포토, 미장센 포토 등으로 불리는 연출사진을 최초로 시도한 사진작가로 사진예술의 범위를 확장했다는 평을 받고 있다. 작가는 본 시리즈가 추상과 이상화에 대한 기나긴 여정의 마지막이며, 작품 속 빨간색은 사진 그 자체의 절망을 뜻한다고 언급하기도 했다. 빨간색 물감이 화면을 지배한 듯한 풍경은 기록의 매체임에도 불구하고 현실을 정확히 재현할 수 없는 사진이 가진 이중적 속성이 은유적으로 드러난다.

 

본 전시에서는 색점 작업의 연장선에 있는 바코드 작업을 선보인다. 기계화된 문명, 자본주의의 상징인 바코드는 작가의 말에 의하면 ‘21세기와 현대문명을 상징하는, 머지않아 역사 속으로 사라져버릴 문양’이 될지도 모른다. 작가에게 색점은 시간의 축적을 기록하는 과정이자 역사를 이어가는 하나의 방식이라면, 바코드는 미래에 발견될 한 시대의 흔적이다. 검은색과 흰색으로 이루어진 이미지 요소를 패턴화 된 색채를 입혀 새로운 조형요소로 재탄생 시킨다. 바코드는 더 이상 자본주의의 상징이 아닌 양주혜 작가의 조형적 상징으로서 존재할 것이다.

 

플라스틱 오브제를 이용한 설치 작업을 선보여 온 정승은 이번 전시에서 황색, 녹색, 적색의 경광등 커버를 5미터 높이로 제작해 전시장 1층에 설치한다. 범세계적으로 각각 경고, 안전, 위험의 표기로 사용되는 이러한 사회적 규범의 의미를 낯선 설치 방식으로 새롭게 환기 시킨다. 이를 통해 사회적 통념에 가려진 개인의 가치와 다양성을 일깨우고, 기계문명의 대량생산 체제로 인해 단순화되고 획일화 되어가는 현대사회에 경고의 메시지를 던진다.

 

미술재료의 색의 명칭과 배열 순서에 대한 기준은 제조사마다 다르다. 이는 제조사 내부에서 결정하는데, 제품의 색 이름이나 순서는 소비자의 기호에 따라 계속 변한다. 결국 이러한 질서는 소비사회가 낳은 불완전하지만 기능적인 산업적 질서인 것이다. 작가는 그런 산업적 변화의 흐름에 대한 색채의 변화를 기록하고 작품화 한다. 본 전시에서는 작품 <12 Colors Drawings III, IV>를 선보인다. 두 곳의 국내 색연필 회사를 정해 그들이 암묵적으로 정한 12색의 색연필로 색칠공부 노트에 칠하고 이를 순서에 따라 정렬해 설치한 작품이다.

 

본 작품은 소리에서 색을 연상시켰던 러시아 작곡가 스크랴빈(1872∼1915)에게서 영감을 받아 완성한 작품이다. 스크랴빈이 음계를 색으로 번역했다면, 하이브는 색을 음계로 번역한 한다. 디지털 피아노를 통해 시각과 청각이라는 서로 다른 감각의 경계를 허물어 공감각적 가능성을 보여주고 공간과 빛, 색, 그리고 소리에 대한 다채널적 체험의 기회를 제공한다.

 

관람객이 설치된 카메라에 촬영된 이미지를 원형의 레코드판(LP)으로 표현된 인터페이스 상에서 불러와 특정 영역에 대한 평균 색값을 계산한다. 그렇게 나온 색채값은 스크랴빈이 정의 내린 색과 음의 관계를 이용해 전시 공간 전체에 퍼짐과 동시에 색에 대한 음계값이 디지털 피아노로 자동 연주된다.

 

문형민은 미국 패서디나 아트센터 컬리지 오브 디자인(Art Center College of Design)을 졸업하고, 캘리포니아 주립대학교 대학원(California State University)을 마쳤다. 회화, 사진, 설치, 조각, 영상 등 다양한 매체를 이용해 사회의 표면적 형식과 내용적 모순에 대해 질문해왔다. 선명한 색, 단순하지만 세련된 구상력으로 비주얼적 완성도를 추구하지만 그 안에는 수많은 레이어를 통해 개개인의 취향, 사회적 현상에 대한 내용을 표현한다. 작업에는 ‘전문성과 보편성’ 그리고 ‘개인과 사회’가 서로 뒤얽혀 있고, 이에 대한 의심과 질문을 작업의 주요 모태로 삼고 있다.

 

박미나는 미국 로드 아일랜드 미술대학교(Rhode Island School of Design) 회화과를 졸업하고, 헌터 대학교 대학원(Hunter College) 회화과를 마쳤다. 갤러리 엠(2015, 서울), 두산갤러리(2012, 뉴욕), 국제갤러리(2010, 서울)등 14회의 개인전을 가졌고, 국립현대미술관(2014, 과천), 광주 디자인비엔날레(2011), 플라토(2011, 서울), 경기도미술관(2010, 안산), 마루가메 이노쿠마 겐이치로 현대미술관(2009, 가가와, 일본), 헤더 현대미술관(2009, 텔아비브, 이스라엘) 등에서 다수의 단체전에 참여하였다.

 

양주혜는 홍익대학교 미술대학 조소과에서 수학하고 프랑스 마르세이유 뤼미니예술·건축학교(École d'art et d'architecture de Luminy, Marseille)에서 조형예술학 학위(Diplôme national supérieur d'expression plstique)와 파리 8대학(Université Paris 8, Vincenne-Saint-Denis)에서 조형예술학박사(Diplôme national de docteur en arts plastiques)를 취득하였다. 국립현대미술관 선정 이달의 작가전, 아르코미술관 대표작가전 등 20여회의 개인전을 통해 회화와 설치의 영역을 넘나들며 독창적인 작품세계를 구축해오고 있다. 1990년 석남미술상을 수상했다.

 

정승은 2006년 파리-세르지 국립미술학교(École Nationale Supérieure d’Arts de Paris-Cergy)에서 조형예술학 학위(Diplôme national supérieur d'expression plastique)를 취득 후 귀국하여 서울에서 작업을 진행해 오고 있다. 현재까지 4회의 개인전 및 단체전들에서 선보였던 작업들의 큰 주제는 기계적 사상에 길들여져 있는 현대인들의 단면들을 냉소적인 시각으로 바라보는 것이 주를 이루었다. 최근 국립현대미술관 서울관 개관기념 야외조각 프로젝트 ‘Korea-NRW Transfer(Kunstmuseum Bonn)’, ‘심리적 오브제전(우양미술관)’, ‘Salon de SEMA전(서울시립미술관)’ 등을 통해서 작품 활동을 이어가고 있다.

 

조소희는 파리 1대학(Université Paris 1, Panthéon-Sorbonne) 조형예술학 박사(Diplôme national de docteur en arts)를 마쳤다. 한국, 프랑스, 스페인에서 ‘사(絲)적 인상’, ‘Salon de Hyaloplasm’, ‘아홉 개의 사다리’ 등 10회의 개인전을 열었으며 부산비엔날레와 해인아트프로젝트 등 다양한 예술프로젝트에 참여하였다. 프랑스와 스페인에서 활동하며 연이어 전시한 ‘Du fil qui file’ 시리즈를 통해 흐르는 시간을 축적하는 ‘진행형 작업형태’를 발전시키는 한편 다양한 퍼포먼스와 영상을 제작했다. 제14회 송은미술대상 우수상을 수상하였으며, 벨기에 La Rausche와 국립현대미술관, 서울시립미술관, 광주시립미술관에 작품이 소장되어 있다. 2011년에는 노마딕 레지던스 프로그램(바이칼 호수)에 참여했으며 국립고양스튜디오 입주작가로 활동했다.

 

진달래&박우혁은 디자인, 설치, 영상, 출판 등의 작업을 한다. 진달래는 홍익대에서 조소와 디자인을 공부했고, 예술프로젝트 ‘아카이브안녕’의 기획자이며, 디자인/출판 스튜디오 '타입페이지'의 대표다. 박우혁은 홍익대와 스위스 바젤디자인학교에서 디자인과 타이포그래피를 공부했고, 서울과학기술대학교 디자인학과 조교수로 있다. V&A Museum, 국가인권위원회, 국립현대미술관 등의 그래픽 작업을 했고, 개인전 ‘사자, 마녀 그리고 옷장(2015)’, ‘Signal(2014)’, 단체전 ‘AP MAP(2015)’, ‘구체시 워크룸(2014)’, ‘Artist Portfolio(2013)’ 등의 전시에 참여했다.

 

하이브의 한창민은 1994년 뉴욕 스쿨 오브 비쥬얼 아트(School of Visual Arts)에서 그래픽디자인 학위 취득 후 한국방송(KBS)을 포함, 방송디자인 관련 스튜디오에서 모션그래픽 디자이너로 10여년간 활동하였다. 이후 창작에 있어 평면적 프레임 내의 가상적 공간으로부터 물리적 공간으로의 확장을 시도하고자 2006년 런던 레이번즈번 컬리지(Ravensbourne College)에서 인터랙티브 디지털 미디어(Interactive Digital Media) 석사학위를 취득하였으며 현재 새로운 경험을 위한 융합형 아이디어를 생산하는 공간을 의미하는 하이브(HYBE : Hive for Hybrid Environment)라는 뉴미디어아트 그룹을 설립하여 활발히 활동 중이다.

 

베르나르 포콩 Bernard Faucon (b.1950-) 프랑스 압트(Apt)에서 태어난 포콩은 파리 4대학(Université Paris 4, Paris-Sorbonne)에서 철학을 전공했다. 1976년부터 사진작업을 시작한 그는 영화감독이 장면을 연출하는 듯한 '미장센(Mise en scène) 포토'의 선구자로 주목받았다. 포콩의 사진작업은 '트루 픽션(True fictions)'을 담은 일곱 개의 큰 시리즈로 구분되며 사진 매체 자체에 대한 깊이 있는 고찰을 보여준다. 그랑프리 내셔널 사진상(1989), 레오나르도 다빈치상(1991)을 수상하기도 한 그는 1995년 개인 사진작업의 중단을 선언한다. 이후 1997년부터 2005년까지 전 세계 25개국 청소년들에게 일회용 카메라를 나누어주고 사진을 찍게 한 <내 청춘의 가장 아름다운 날> 프로젝트를 진행하였다. 2011년부터는 자전적 비디오 프로젝트 를 진행 중이다.

 

샌디 스코글런드 Sandy Skoglund (b.1946-) 1968년 미국 노스햄튼의 스미스 칼리지(Smith College)에서 스튜디오 아트와 미술사를 전공했으며 아이오와대학교 대학원(University of Iowa)에서 필름 메이킹, 멀티미디어, 인탈리오 프린트메이킹(Intaglio printmaking)을 전공하였다. 1972년 뉴욕으로 건너온 그녀는 마크 메이킹(Mark making)과 복사 테크닉을 이용한 반복적이고 과정 중심적인 제작방식으로 개념미술 작가로의 경력을 쌓기 시작했다. 1970년대 말부터 사진매체를 통해 개념적인 생각들을 담고자 하였으며 이러한 관심은 미국 대중문화, 상업광고와 융합하며 오늘날 그녀가 널리 알려지게 된 연출사진에 이르게 된다. 현재 미국 뉴저지주의 저지 시티에서 작업하고 있다.

 

닐 하비슨 Neil Harbisson (b.1982-) 영국 태생으로 스페인 북동부 카탈루냐(Cataluña)지방의 마타로(Mataró)에서 성장했으며, 2002년 영국 다팅턴 컬리지 오브 아트(Dartington College of Arts)에서 작곡을 전공했다. 회색 톤으로만 세상을 볼 수 있는 선천적 전색맹인 그는 2004년 색을 소리로 변환해주는 아이보그(Eyeborg) 안테나를 두개골에 영구 장착하여 색을 소리로 구별·인식하고 이것을 시각예술작품으로 재해석한다.

 

2010년 안무가 문 리바스(Moon Rivas)와 사이보그가 되고 싶어 하는 이들을 돕기 위한 국제협력단체인 사이보그 파운데이션(Cyborg Foundation)을 공동 창립하여 사이보그의 권리를 보호하고, ‘사이보기즘(Cyborgism)’을 사회·예술 운동으로 확산시키는 것에 힘쓰고 있다. 또한 2001&2010년 Stage Creation Award, 2004년 Europrix Multimedia Award, 2013년 Focus Forward Grand Jury Award, 2014년 Bram Stoker Gold Medal 등에서 수상한 바 있다.

 

연세대학교 플레이 메이커즈 랩 본 전시에 참여하는 다섯 명의 팀원들은 연세대학교 커뮤니케이션대학원 석·박사 과정에 있다. 대학원내에서 이현진 교수가 운영하는 플레이 메이커즈 랩(Play Makers Lab)의 연구원으로 소속되어 활동하고 있으며 미디어아트, 디자인과 연계된 다양한 분야의 연구와 프로젝트를 진행해오고 있다.

 

팀원인 정새해, 이병훈은 영상예술학 전공 박사과정에 있으며, 한다희, 유재희, 정이슬은 미디어아트 전공 석사과정에 있다. 특히 정새해와 정이슬은 과학과 예술의 융합교육으로서 미디어아트, 게임 및 소프트웨어 교육을 중점적으로 연구하며 이병훈, 한다희, 유재희는 과학과 예술의 융합전시 콘텐츠 연구 및 기술 구현에 관련된 연구와 프로젝트를 중점적으로 진행해오고 있다. 또한 팀원 개개인은 작가이자 콘텐츠 제작자, 기획자로서 활동하고 있다.

 

KAIST 산업디자인학과 색채연구실 주성욱은 석현정 교수의 색채연구실에서 연구와 프로젝트를 수행 중이다. KAIST 산업디자인학과의 색채연구실은 색과 관련된 과학적인 연구를 바탕으로 디자인 실무에 가치 있는 지식을 창출하는 것을 목표로 한다. 특히 색에 대한 인간의 감성과 인지, 그리고 생리적 반응을 실험 연구하고 그 근거를 토대로 조명, 디스플레이, 그래픽이미지, 제품 디자인 등 다양한 분야에 접목하고 있다.

 

예술가들은 ‘색’을 어떤 방식으로 바라보고 해석하고 실험하는가를 살펴보고자 한다. 이번 전시에서는 직관적이고 감성적인 표현수단으로서, 혹은 대상을 재현하는 수단으로서의 색채에 초점을 맞추기보다 색의 사회적이고 과학적 맥락으로 접근하여 색을 분석, 연구하고, 빛에 의한 공감각적인 체험을 유도하면서 색에 대한 추상적인 관념에서 벗어날 수 있도록 구성했다.

 

 

▮ 연출사진의 대가 베르나르 포콩부터 국내 최초로 소개되는 사이보그 예술가 닐 하비슨까지

회화, 사진, 조각, 인터렉티브, 설치, 디자인에 이르는 다양한 장르 속 ‘색’을 만나다!

 

베르나르 포콩(Bernard faucon)은 화면을 가득 뒤덮은 붉은색의 풍경으로 사진 매체에 대한 회의감을 담아내고, 샌디 스코글런드(Sandy Skoglund)는 사진의 메시지를 전달하기 위해 작가가 직접 공간을 연출한 사진 작품을 선보인다. 특히 국내에 전시를 통해 최초로 소개되는 영국작가 닐 하비슨(Neil Harbisson)은 전색맹이라는 장애를 극복하기 위해 기계와 뇌를 결합시키는 사이보그로, 다양한 실험과 독특한 작품 제작과정을 통해 색을 소리로 듣는 전위적인 체험을 선사한다.

 

▮ KAIST, 연세대학교와의 협력을 통해 관람객들에게 다양한 체험 기회 제공

 

KAIST 산업디자인학과 색채연구실의 은 회전혼합의 원리를, <反對色床(반대색상)>을 통해 역발상적인 색채 적용과 그 경험(paradoxical color experience)에 대해 직접 체험해 볼 수 있다. 또한 연세대학교 커뮤니케이션대학원 플레이 메이커즈 랩의 미디어 작품은 우리가 일상에서 만나는 빛(색)을 경험하게 함으로써 수동적 인식자에서 능동적 인식자로 변환되는 경험을 느끼게 한다. 이처럼 다양한 이론적 접근을 통해 관객들에게는 익숙하게 여겨왔던 색을 재발견하고 시지각 반응에 대해서도 쉽게 이해할 수 있는 뜻 깊은 시간이 될 것이다.